{"id":11137,"date":"2019-08-05T02:11:24","date_gmt":"2019-08-05T00:11:24","guid":{"rendered":"http:\/\/www.agendadomani.it\/?p=11137"},"modified":"2019-08-20T11:20:19","modified_gmt":"2019-08-20T09:20:19","slug":"festival-della-valle-ditria-albori-e-bagliori-napoli-e-leuropa-il-secolo-doro","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.agendadomani.it\/?p=11137","title":{"rendered":"Festival della Valle d\u2019Itria: “Albori e bagliori. Napoli e l\u2019Europa: il secolo d\u2019oro”"},"content":{"rendered":"\n

Ecuba<\/strong>, <\/strong><\/em>Il matrimonio segreto<\/strong> e <\/strong><\/em>Orfeo<\/strong> per la 45\u00b0 edizione della rassegna musicale di Martina Franca<\/strong><\/em>. <\/p>\n\n\n\n

Il Festival della Valle d\u2019Itria a Martina Franca, giunto alla 45\u00b0 edizione, resta fedele alle sue scelte colte e raffinate; le coltiva di anno in anno, con un\u2019attenzione per la riscoperta dell\u2019opera di scuola napoletana meno nota se non addirittura sconosciuta, declinata nelle sue tante sfumature, nelle correnti stilistiche che la caratterizzano e di ambiente in cui si diffuse. Cos\u00ec \u00e8 avvenuto anche quest\u2019anno, con un cartellone dal titolo emblematico: \u201cAlbori e bagliori. Napoli e l\u2019Europa: il secolo d\u2019oro\u201d. Un programma, messo a punto con la consueta accuratezza dal direttore artistico Alberto Triola<\/strong>, che insieme al voluto e doveroso omaggio all\u2019anniversario di Jacques Offenbach nel bicentenario della nascita (con la proposta dell\u2019op\u00e9ra-comique Coscoletto, ossia il lazzarone<\/em>, commedia in perfetto stile napoletano), ha proposto la rara Ecuba<\/em> di Antonio Manfroce, il ben pi\u00f9 noto Matrimonio segreto<\/em> di Domenico Cimarosa e la prima rappresentazione in tempi moderni dell\u2019opera \u201cpasticcio\u201d settecentesca Orfeo<\/em> di Nicola Antonio Porpora. A corollario della programmazione del festival, diversi concerti e l\u2019Opera in masseria, ormai una piacevole consuetudine che vede l\u2019opera comica rappresentata in casolari di rara suggestione e bellezza, immersi nella suggestiva campagna della Valle d\u2019Itria, oggi con la proposta degli intermezzi L\u2019ammalato immaginario<\/em> di Leonardi Vinci e La vedova ingegnosa<\/em> di Giuseppe Sellitti.<\/p>\n\n\n\n

ECUBA<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Occhi puntati sul ritorno sulle scene di Ecuba<\/em>, che ancora una volta ha permesso di far luce su un compositore, Nicola Antonio Manfroce, forse fin troppo mitizzato e sul quale la ricerca musicologica ha riversato grandi attenzioni. Delle sue sole due opere, Alzira<\/em> e Ecuba<\/em>, si conosceva la seconda, gi\u00e0 rappresentata al Teatro Chiabrera di Savona, ventinove anni or sono, della quale edizione fu pure realizzata una incisione discografica. Oggi, come allora, l\u2019opera non risulta quel capolavoro che si crede, ma \u00e8 una partitura \u201claboratorio\u201d che invita a riflettere. Manfroce mor\u00ec poco dopo averla messa in scena a Napoli, il 13 dicembre 1812 al Teatro San Carlo, per volere di Domenico Barbaja, lo stesso impresario che pochi anni dopo invit\u00f2 Rossini nel medesimo teatro, permettendogli di maturare uno stile per l\u2019opera seria completamente nuovo, consapevole della scuola francese ma imbevuto di belcanto. Il genio pesarese afferm\u00f2 che se Manfroce fosse rimasto in vita (mori per malattia a soli ventidue anni) avrebbe potuto dargli del filo da torcere, ponendosi come suo rivale. Ma la storia si scrive con i fatti e non con le ipotesi, cos\u00ec il \u201ccaso\u201d di Ecuba resta isolato ed unico; il suo ascolto lo attesta. Si \u00e8 dinanzi a una partitura che pare precorrere lo stile rossiniano di Ermione<\/em>, dove l\u2019involo tragico, di ascendenza gluckiana, sembra plasmarmi su una struttura che ricalca i modelli francesi della tragedia e del melodramma di stile classicheggiante spontiniano per cercare soluzioni melodiche pi\u00f9 vicine all\u2019opera di scuola napoletana. Non sempre ci riesce, eppure prova a suggerite un punto di contatto fra i generi in vista di una ideale riforma del melodramma italiano del suo tempo, gettando cos\u00ec su di esso una nuova luce, pi\u00f9 consapevole di ci\u00f2 che avveniva in Europa, soprattutto in Francia. Se la sua musica appar\u00ec con quell\u2019impronta di novit\u00e0 oggi percepita pi\u00f9 per studio che per reale consapevolezza di essere dinanzi ad un genio della musica – sensazione ancor pi\u00f9 evidente dopo aver conosciuto il meglio della produzione operistica seria rossiniana, rinata grazie alla \u201cRossini renaissance\u201d – \u00e8 innegabile che l\u2019ascolto sia culturalmente prezioso per entrare in quell\u2019universo operistico italico, ancora ampiamente ignoto, che precedette l\u2019arrivo sulle scene del genio pesarese, il cui talento mise un po\u2019 tutti gli altri compositori del suo tempo in ombra. <\/p>\n\n\n\n

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Di Ecuba<\/em> ci \u00e8 piaciuto apprezzare, se non il capolavoro, la capacit\u00e0 di cogliere l\u2019involo tragico all\u2019interno di una drammaturgia che mette in scena personaggi chiave della guerra di Troia. Subito balza all\u2019attenzione dell\u2019ascoltatore la tenerezza d\u2019animo di Polissena, combattuta tra il ricordo del fratello, Ettore, morto per difendere la patria e ucciso da Achille, eroe greco del quale la donna si innamora contro ogni ragione, osteggiata con forza dalla madre Ecuba, sempre in preda ad una furia vendicativa senza tregua e respiro, mentre in qualche modo viene compresa dal padre, Priamo, che vede invece nell\u2019amore fra i due giovani una via diplomatica per porre fine alla guerra. Allo sperato matrimonio si opporr\u00e0 un destino pi\u00f9 tragico, che vedr\u00e0 l\u2019irrompere dei greci armati dentro le mura di Troia e l\u2019uccisone di Achille, con Ecuba che maledice la genia greca sulle macerie ancora fumanti di una citt\u00e0 ormai distrutta. La musica segue, con alcuni momenti di stanchezza, un percorso drammatico non sempre limpido, eppure coglie, anche attraverso l\u2019utilizzo di un canto che si sostanzia di declamazione e di concessioni virtuosistiche, il carattere distintivo di un\u2019opera divisa fra respiro tragico e aperture melodiche non prive di delicatezza, come quelle che fanno di Achille, pi\u00f9 che un eroe di guerra, un uomo innamorato. <\/p>\n\n\n\n

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Lo spettacolo di Pier Luigi Pizzi<\/strong> (autore di regia, scene e costumi, con le luci di Massimo Gasparon<\/strong>), che ha immaginato una struttura scenica bianchissima capace di adattarsi ad Ecuba <\/em>per poi essere genialmente riplasmata per Il matrimonio segreto<\/em>, \u00e8 di impostazione classicheggiante, geometrico nella disposizione degli spazi e delle masse corali del popolo su gradinate poste ai lati della scena, arioso nella caratterizzazione dei personaggi, sempre nel segno di quella compostezza ed eleganza che contraddistingue ogni suo spettacolo. Alcune colte citazioni pittoriche sono utilizzate ad arte per offrire l\u2019idea della costante presenza sulla scena del corpo morto di Ettore, l\u2019eroe sacrificatosi per la sua citt\u00e0, che insieme a lui ha perso ogni speranza di perpetrare la propria fama di citt\u00e0 dalle mura inespugnabili; il suo corpo, ad inizio opera, \u00e8 simile a quello di Cristo deposto dalla croce e messo in vista del suo popolo per tutta la durata dell\u2019opera (si pensa alle suggestioni pittoriche di tante deposizioni dalla Croce e a Il corpo di Cristo morto nella tomba<\/em> dipinto da Hans Holbein), al quale tutti rendono omaggio in una elaborazione del lutto legata all\u2019idea solenne del suo perenne ricordo. La stessa solennit\u00e0, dolorosamente umana \u00e8 mai paludatamente aulica, \u00e8 cercata in orchestra da Sesto Quatrini<\/strong>, giovane e talentuosa bacchetta che, alla testa dell’Orchestra del Teatro Petruzzelli di Bari e del Coro del Teatro Municipale di Piacenza (istruito da Corrado Casati<\/strong>), con nervi saldi e tante buone intenzioni, ha preso in mano la partitura dopo l\u2019improvviso forfait di Fabio Luisi offrendo una lettura spigliata ma mai sbrigativa, di presa scenica sicura e di buon controllo del palcoscenico, approdando a risultati sorprendenti se si valuta il poco tempo affidatogli per studiare l\u2019opera; segno che si \u00e8 dinanzi ad un direttore che \u00e8 ben pi\u00f9 di una promessa, ma gi\u00e0 una garanzia di preparazione e valore musicale indubbi. <\/p>\n\n\n\n

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Anche la giovane e ancora inesperta Lidia Fridman<\/strong>, giovanissimo soprano russo preparata dalla Accademia del Belcanto \u201cRodolfo Celletti\u201d di Martina Franca, \u00e8 stata catapultata in scena alla prima dopo il forfait per indisposizione della prevista e ben pi\u00f9 nota Carmela Remigio, risolvendo con tanta buona volont\u00e0 una parte forse per ora superiore alle sue possibilit\u00e0, che richiede una declamazione scultorea ancora non del tutto approfondita, per stile ed accento, da questa pur interessante cantante, dal fisico asciutto e dalla voce percorsa da ombrose sonorit\u00e0, specchio delle lacerazioni interiori che attanagliano un personaggio tanto tormentatamente tragico. La voce di timbro un po\u2019 acidulo e tagliente di Roberta Mantegna<\/strong> non \u00e8 parsa sempre ideale per l\u2019impegnativa parte di Polissena, figura dal carattere nobilmente dolente, comunque affrontata con musicalit\u00e0 e ottima consapevolezza espressiva. Le stesse qualit\u00e0 che vanno riconosciute al tenore americano Norman Reinhardt<\/strong>, prestante ed elegante sulla scena, alle prese con una parte, quella di Achille, che ebbe come primo interprete Manuel Garcia e che declina l\u2019eroismo del personaggio virando l\u2019ago della bilancia espressiva verso un canto di grazia che ha modo di emergere nel duetto con Polissena, nel corso del quale, come si \u00e8 detto, si evidenzia il lato amoroso e umano pi\u00f9 che l\u2019ira funesta del prode guerriero senza piet\u00e0 verso il nemico. Interpretativamente meno efficace ma vocalmente apprezzabile il Priamo del tenore turco Mert S\u00fcng\u00fc<\/strong>, alle prese con una parte da baritenore quale fu Andrea Nozzari, risolta con qualche opacit\u00e0 d\u2019emissione ma con impegno belcantistico e stilistico di tutto rispetto. Validi i ruoli di contorno, con Martina Gresia<\/strong>, Teona, Lorenzo Izzo<\/strong>, Antiloco, Nile Senatore<\/strong>, Un Duce Greco e il mimo Giovanni Fumarola<\/strong>, Ettore. <\/p>\n\n\n\n

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IL MATRIMONIO SEGRETO<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Il medesimo impianto scenico di Ecuba<\/em> viene utilizzato da Pier Luigi Pizzi<\/strong> per firmare l\u2019allestimento de Il matrimonio<\/em> segreto<\/em> di Cimarosa, proposto sempre nel cortile del Palazzo Ducale. In questo caso ci si trova davvero dinanzi ad uno spettacolo di riferimento, che fa ricorso alla modernit\u00e0 rimodulando i temi cari a quell\u2019opera buffa napoletana che aveva conquistato il pubblico rendendosi riflesso di una societ\u00e0 che cambiava ponendo in essere l\u2019emancipazione delle servit\u00f9 sulla nobilt\u00e0, o meglio della borghesia sull\u2019aristocrazia, facendosi portavoce di una dimensione domestica venata di patetismo e mezze tinte nel narrare vicende che vedevano sempre il trionfo di innamorati osteggiati con lo scorno, pi\u00f9 scherzoso che astioso, di vecchi padri o tutori. Il matrimonio segreto <\/em>di Domenico Cimarosa rappresent\u00f2 in qualche modo il modello ideale di questo genere di teatro musicale, con la sua comicit\u00e0 garbata, intinta di tenue lirismo. Ma al tempo stesso il suo successo divenne anche il simbolo dell’autunno dell’opera buffa settecentesca. La ludica stilizzazione che dona a questa partitura una visione del tutto ideale nel panorama dell’opera comica di fine Settecento consiste proprio in questo: nell’essere ancora squisitamente funzionale a schemi gi\u00e0 sperimentati, eppure trovando nella melodia il modo per esprimere una grazia leggera e trasparente, una sintesi assoluta fra sorriso e sospiro. Ecco perch\u00e9 l’intimit\u00e0 di linguaggio soavemente affettuosa, unita alla zampillante inventiva musicale propria allo spirito ludico, fanno del Matrimonio segreto<\/em> un capolavoro di eleganza fragrante e briosamente scintillante. <\/p>\n\n\n\n

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Pizzi ben lo comprende e cala la vicenda dell\u2019opera nella modernit\u00e0 senza snaturarne la drammaturgia con inopportune forzature, intuendo come il tutto possa ugualmente funzionare all\u2019interno del raffinato appartamento di un mercante, il Signor Geronimo, che qui diventa un commerciante d\u2019arte contemporanea, nel cui loft <\/em>sono esposte opere di Fontana, Bonalumi, Castiglioni e Burri; lui \u00e8 un venditore arricchito che aspira ad un matrimonio di convenienza per una delle sue due figlie: Carolina, che \u00e8 invece sposa segreta dell\u2019umile Paolino, e Elisetta col Conte Robinson, capriccioso e galante uomo di mondo, mentre Fidalma, ricca vedova, sorella di Geronimo, \u00e8 donna pi\u00f9 matura che accetta con filosofia il passare degli anni ma sente ancora il richiamo dei sensi. Ogni personaggio, nella moderna visione registica voluta da Pizzi, non perde i propri connotati, anzi li valorizza attraverso un percorso registico lucido e chiaro, che mette in evidenza la fisicit\u00e0 dei cantanti, anzi la utilizza per creare, attraverso di essa, una sensualit\u00e0 giovane e fresca, che non cade mai nel facile trabocchetto della sentimentalit\u00e0, anteponendo alla tenerezza zuccherosa la concretezza dei sensi, giocando sulla modernit\u00e0 che i caratteri possono assumere attraverso un disegno teatrale assai attuale, elegante e insieme esteticamente pregnante. <\/p>\n\n\n\n

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Tutti i cantanti di questa produzione sembrano nati per rispondere alle esigenze di uno spettacolo tanto meditato. Marco Filippo Romano<\/strong> \u00e8 un Geronimo perfetto, che non perde occasione per confermarsi, oltre che artista di somma bravura sulla scena, cantante attento a fraseggiare con cura ponendo il giusto accento su ogni sillaba, con intelligente musicalit\u00e0 e scatenante dominio del palcoscenico. Non gli \u00e8 da meno il Conte Robinson galante e dandy <\/em>di Vittorio Prato<\/strong>, che canta pure lui con finezza e attenta espressivit\u00e0, cogliendo il lato seduttivo del personaggio con disincantata consapevolezza della sua condizione. Davvero interessante il timbro morbido della bravissima Benedetta Torre<\/strong>, ottima Carolina, cos\u00ec come quello opportunamente pi\u00f9 chiaro e appuntito della maliziosa Elisetta di Maria Laura Iacobellis<\/strong>. Il mezzosoprano Ana Victoria Pitts<\/strong>, cantante interessantissima, credo pronta per sviluppi futuri in altro repertorio, \u00e8 una Fidalma dal colore vocale giustamente scuro e caldo; possiede poi il temperamento giusto per fare del personaggio non la solita vecchia zitella dai sensi intorpiditi, bens\u00ec una donna ancora capace sedurre in tutti i modi, anche con sfacciate avances<\/em> a Paolino, che le subisce con un po\u2019 di imbarazzo, creando cos\u00ec un quadro scenico realizzato con irresistibile presa seduttiva. <\/p>\n\n\n\n

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Pizzi pretende poi scenicamente molto dal Paolino tenero e molto charmant <\/em>di Alasdair Kent<\/strong>,  costretto a continui \u201cspogliarelli\u201d, ma che non manca di mettersi in luce, oltre che per la gradevole presenza scenica, per la voce piccola e delicata, capace di intonare con grazia e finezza nell\u2019utilizzo del registro di testa la sua bellissima aria del secondo atto. A coordinare le fila musicali dello spettacolo c\u2019\u00e8 la bacchetta fresca e scorrevole del giovanissimo direttore Michele Spotti<\/strong>, che con delicata prudenza tiene testa al ritmo di uno spettacolo teatralmente cos\u00ec ben congegnato senza mai farne calare la tensione. <\/p>\n\n\n\n

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ORFEO<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Ancora una volta, la stessa struttura scenica ad impianto fisso, utilizzata da Pizzi per questi due spettacoli, serve a far da cornice alla prima rappresentazione in tempi moderni, nella edizione critica di Giovanni Andrea Sechi<\/strong>, di Orfeo<\/em> di Nicola Antonio Porpora, che and\u00f2 in scena a Londra il 2 marzo 1736 al King\u2019s Theatre Haymarket grazie a The Opera of Nobility. Il successo raccolto da H\u00e4ndel negli anni d\u2019oro della Royal Academy of Music rinacque sull\u2019onda dell\u2019interesse ancora vivo nella capitale inglese per l\u2019opera seria italiana e Porpora, che diresse la nuova societ\u00e0 e ne fu il compositore principale, con la collaborazione del librettista Paolo Rolli, radun\u00f2 a Londra i pi\u00f9 grandi cantanti del tempo e si mise in rivalit\u00e0 con la compagnia di H\u00e4ndel. Fu in quella circostanza che nacque Orfeo<\/em>. In realt\u00e0 non \u00e8 solo un\u2019opera di Porpora, ma quello che si definisce un \u201cpasticcio\u201d che assembla un florilegio di arie, tutte bellissime, tratte anche da altre opere di Johann Adolf Hasse, Leonardo Vinci, Francesco Araja, Francesco Maria Veracini e Geminiano Giacomelli. <\/p>\n\n\n\n

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L\u2019opera, per quanto sia un collage di arie, non manca di unitariet\u00e0 drammaturgica, anche se a darle fama furono soprattutto i divi che diedero vita alla prima: Orfeo fu il leggendario castrato Carlo Broschi detto Farinelli; Aristeo, Francesco Bernardi detto il Senesino, castrato prediletto da H\u00e4ndel; Plutone, il basso Antonio Montagnana; Euridice, Francesca Cuzzoni; Autonoe, Francesca Bertolli; Proserpina, Santa Tasca detta Santina. Opera dunque nata per virtuosi assoluti, per cantanti leggendari, capaci di trasmettere quel senso di meraviglia vocale caro al pubblico del tempo, secondo leggi estetiche che superavano ogni riferimento al realismo drammatico; non importava infatti il rapporto fra timbro e ruolo interpretato, ma la capacit\u00e0 di colpire la fantasia edonistica di chi ascoltava. <\/p>\n\n\n\n

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Lo spettacolo di Massimo Gasparon<\/strong>, che ne firma regia, scene e costumi, \u00e8 una passerella di splendidi abiti che bastano, insieme al minimalismo delle scene, a fare da supporto alla successione di arie, inframmezzate da recitativi, nelle quali il virtuosismo acrobatico e patetico non sono altro che un banco di prova per mettere in evidenza la bravura dei cantanti. In questa occasione c\u2019\u00e8 per\u00f2 un direttore, George Petrou<\/strong>, che con la sua orchestra formata da strumenti antichi, Armonia Atenea<\/strong>, offre alle voci un accompagnamento raffinatissimo, un respiro cos\u00ec elegante e consapevole delle finezze orchestrali da lasciare senza fiato. E senza fiato dovrebbero lasciare anche le voci, che come si \u00e8 detto hanno il preciso obiettivo di stupire, mentre qui altro non comunicano che una sensazione di corretta adesione, un po\u2019 scolastica e poco fantasiosa, all’immane difficolt\u00e0 di alcune arie. La migliore in campo \u00e8 la Proserpina di Giuseppina Bridelli<\/strong>, assai brava nella agilit\u00e0 della sua prima aria, dove mette subito in evidenza la croccante incisivit\u00e0 e la saettante fluidit\u00e0 della vera belcantista. Non cos\u00ec si pu\u00f2 dire del basso Davide Giangregorio<\/strong>, Pluto, dalla emissione opaca e un po\u2019 ingolata, e del soprano Anna Maria Sarra<\/strong>, Euridice, voce lamentosamente filiforme. Di lei migliore il mezzosoprano Federica Carnevale<\/strong>, Autonoe, sicura nel canto di agilit\u00e0 e stilisticamente a posto. Dei due controtenori, entrambi impegnatissimi e alle prese con arie scritte per due mostri sacri come Senesino e Farinelli, si apprezza l\u2019impegno mostrato nel risolvere le difficolt\u00e0 delle arie di loro pertinenza, ma non la magia virtuosistica qui solo abbozzata. Rodrigo Sosa Dal Pozzo<\/strong>, Aristeo, non ha nella voce, di timbro poco accattivante, come nell\u2019emissione, dove il vibrato certo non lo aiuta, capacit\u00e0 di risultare espressiva. <\/p>\n\n\n\n

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Raffaele Pe<\/strong>, Orfeo, che \u00e8 invece di lui pi\u00f9 affermato, anzi si segnala fra i cantanti di questo registro impostisi all’attenzione internazionale dando rinnovato prestigio alla scuola controtenorile italiana, offre una prova valida ma interlocutoria. La voce \u00e8 indubbiamente bella, maliosa nei centri, lo stile impeccabile cos\u00ec come l\u2019eleganza nel porgere e la musicalit\u00e0 indiscutibile. Eppure le arie scritte per Farinelli sono assai complesse, dalla tessitura piuttosto acuta e con quel salto fra i registri che impongono passaggi dall\u2019acuto al grave nel caso dell\u2019aria \u201cParte talor dal mar\u201d (in cui Pe utilizza anche il registro di petto), o dominio assoluto del legato e della messa di voce nel respiro patetico chiesto da \u201cM\u2019abbandoni, amato bene\u201d. Pe le risolve come meglio pu\u00f2. Si percepisce qualche prudenza o impaccio in acuto e, soprattutto, gli manca lo slancio del vero virtuoso e il fascino del cantare imbevuto di sospesa e dolente elegia. Tutto, nel versante acrobatico, sembra ottenuto a denti stretti, senza quella naturalezza che patisce ogni qual volta la voce \u00e8 sottoposta a stress e a forzature difficili da sfuggire per voci come la sua. Nulla di grave si intende, perch\u00e9 si \u00e8 dinanzi ad un cantante coi fiocchi, ma a fronte di scritture virtuosistiche cos\u00ec estreme ben pochi sono i controtenori capaci di evitare gli affanni spesso non scongiurabili quando si abusa del registro di testa o del falsetto rinforzato, con inevitabili conseguenze che impediscono all\u2019ascoltatore di cogliere quel senso di inappagato stupore vocale che regalavano i pi\u00f9 celebri castrati del Settecento e che solo una limitata schiera di eletti della stessa categoria vocale di Pe sono oggi in grado emulare, pur con tutti i limiti insiti ai controtenori che oggi affrontano il repertorio che fu degli evirati cantori. Insomma, Raffaele Pe \u00e8 un ottimo cantante, ma non un acrobata del pentagramma senza rete, che si apprezza ma deve ricorrere ad argini protettivi che gli garantiscano quanto pi\u00f9 possibile un controllo dell\u2019emissione, per evitare i rischi che ne conseguirebbero in parti di tale difficolt\u00e0. <\/p>\n\n\n\n

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OPERE IN MASSERIA<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Infine, per il progetto Opere in masseria, eccoci agli intermezzi napoletani L\u2019ammalato immaginario<\/em> di Leonardo Vinci e La vedova ingegnosa <\/em>di Giuseppe Sellitti (furono rispettivamente eseguiti come intrattenimento fra gli atti de L’Ernelinda<\/em> di Vinci e Demofoonte <\/em>di Leo), proposti in diverse masserie della Valle d\u2019Itria, preceduti da una degustazione curata dal Consorzio di Tutela Primitivo di Manduria. Nella magnifica Masseria San Michele, alle porte di Martina Franca, dove li abbiamo visti rappresentati nel cuore della notte, la regia dinamicissima di Davide Gasparro <\/strong>cerca una comunanza fra caratteri e trame dei diversi intermezzi proposti, eseguiti tutti di seguito, con il fil rouge<\/em> moli\u00e8riano di finti ammalati e medici improvvisati, di vedove inconsolabili che anelano a farsi sposarsi e di astute trame di travestimento che portano ad un matrimonio di convenienza. <\/p>\n\n\n\n

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L\u2019allestimento, con scene e costumi di Maria Paola Di Francesco<\/strong>, adattato a seconda degli spazi in cui viene ospitato, prevede l\u2019utilizzo funzionalissimo di un teatrino a forma di scatola scenica dotata di ruote, come ad immaginare un tendone in continuo movimento. Ed i personaggi, che agiscono all\u2019interno e all\u2019esterno di questo carretto comico-farsesco, sono affiancati da due giovani attori, i quali, come fossero clown, hanno il compito di potenziare il divertito incedere della narrazione. I diversi siparietti buffi, messi in musica con fresca scorrevolezza, hanno come si \u00e8 detto il comune denominatore della malattia, vera o presunta che sia, delineata sotto forma di esibizione del dolore o di ipocondria, o del travestimento che riflette, nella maschera con la quale si presenta, la finzione attraverso la quale celare la realt\u00e0. <\/p>\n\n\n\n

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A questo gioco teatrale a fibrillazione scenica e musicale senza sosta prendono parte Bruno Taddia<\/strong>, nei panni di Don Chilone e Strabone, cantante-attore straordinario e buffo \u201cparlante\u201d di inimitabile presa scenica. E se \u00e8 un peccato che un abbassamento di voce abbia impedito a Lavinia Bini<\/strong>, come Erighetta e Drusilla, di cantare, doppiata nel canto dalla brava Maria Silecchio<\/strong>, \u00e8 pur vero che la sua capacit\u00e0 di recitare ne fa una attrice a dir poco formidabile.  Funzionale l\u2019accompagnamento dell\u2019ensemble Cappella Musicale Santa Teresa dei Maschi<\/strong> guidato da Sabino Manzo<\/strong>, che hanno reso godibile quella tensione tra l\u2019essere e l\u2019apparire nel gioco di \u201cequilibrio sulla precariet\u00e0 dell\u2019esistenza\u201d finemente perseguito dall\u2019autore dello spettacolo. Perch\u00e9 gli intermezzi, eseguiti nel Settecento fra un atto e l\u2019altro delle opere serie, o talvolta anche singolarmente, utilizzavano i modi della Commedia dell\u2019Arte per offrire, con gli strumenti di una comicit\u00e0 accentuatamente parodista, elementi di denuncia e critica ai costumi sociali del tempo. <\/p>\n\n\n\n

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Successo per tutti gli spettacoli e per una formula festivaliera che continua a funzionare, accogliendo un numeroso pubblico, proveniente da ogni dove, in una citt\u00e0 che, come Martina Franca, con le sue bellezze e la sua atmosfera, ha un fascino davvero unico. <\/p>\n\n\n\n

Foto di Clarissa Lapolla e Paolo Conserva. <\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Ecuba, Il matrimonio segreto e Orfeo per la 45\u00b0 edizione della rassegna musicale di Martina Franca. 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